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Mitologia y Ocultismo

K-pop

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Lo llaman Hallyu, la ola coreana: la idea de que la cultura pop surcoreana ha crecido en importancia para convertirse en un importante motor de la cultura global, como se ve en todo, desde los dramas coreanos en Netflix hasta los regímenes coreanos para el cuidado de la piel que dominan la industria cosmética, pasando por los deliciosos tacos coreanos en su menú local favorito. Y en el corazón de Hallyu está la creciente popularidad del K-pop, abreviatura, por supuesto, de la música pop coreana.

El K-pop se ha convertido en un fenómeno verdaderamente global gracias a su distintiva mezcla de melodías adictivas, coreografías ingeniosas y valores de producción, y un interminable desfile de atractivos artistas surcoreanos que pasan años en sistemas de estudio agotadores aprendiendo a cantar y bailar en una perfección sincronizada.

Hallyu ha estado construyendo durante dos décadas, pero el K-pop en particular se ha vuelto cada vez más visible para las audiencias globales en los últimos cinco a diez años. Los artistas surcoreanos han llegado a la lista Billboard Hot 100 al menos ocho veces desde que las Wonder Girls la rompieron por primera vez en 2009 con su éxito en el crossover «Nobody» (Nadie), publicado en cuatro idiomas diferentes, incluido el inglés, y la exportación del K-pop ha hecho que la industria musical de Corea del Sur se convierta en una industria impresionante de 5.000 millones de dólares.

Ahora que Corea del Sur es la sede de los Juegos Olímpicos de Invierno de 2018 en Pyeongchang, en un momento de tensiones geopolíticas extremadamente agudas, el K-pop ha adquirido un significado sociopolítico totalmente nuevo, ya que Corea del Sur muestra con orgullo su exportación más conocida ante el mundo.

Lo que nos dijeron las ceremonias de apertura y clausura de los Juegos Olímpicos de Invierno sobre el K-pop (y viceversa)

Durante las ceremonias de apertura de los Juegos Olímpicos, el 9 de febrero de 2018, los atletas marcharon en el Desfile de las Naciones con el acompañamiento de un grupo selecto de éxitos del K-pop, cada uno de los cuales juega con la imagen que Corea del Sur quiere presentar en este momento: la de un país que es una parte totalmente integrada de la cultura global.

Todas las canciones del Desfile de las Naciones tienen una presencia internacional y digital significativa, y cada una anuncia la fluidez intercultural del K-pop. «Likey» de Twice es un gran éxito reciente para el grupo, y recientemente ha llegado a los 100 millones de visitas en YouTube más rápido que cualquier otra canción de un grupo de chicas K-pop. (El video muestra de manera prominente a las niñas en una divertida excursión a Vancouver, promocionando la idea de que están en casa en todo el mundo.) Fantastic Baby» de Big Bang fue uno de los primeros éxitos del K-pop que se introdujo en la cultura americana y fue presentado en el episodio del K-pop de Glee junto con «Gangnam Style», que también se presentó durante el Desfile de las Naciones.

El omnipresente éxito de Psy en 2012 es en parte comedia tonta y en parte sátira de ojos claros, hecha por un músico que forma parte de una ola de músicos surcoreanos que han estudiado en escuelas de música estadounidenses. «Gangnam Style» pasó cinco años acumulando más de 3.000 millones de visitas en YouTube, reinando como el vídeo más visto en la historia de la plataforma antes de ser destronado en 2017.

En conjunto, estas canciones e intérpretes nos muestran que las estrellas del K-pop pueden sobresalir en todo, desde el canto hasta la comedia, pasando por el rap, el baile y los comentarios sociales. Y sus divertidas melodías cantadas dejan claro que la industria musical surcoreana ha perfeccionado la máquina de producción pop en una efervescente línea de montaje de melodías ridículamente pegadizas cantadas por gente ridículamente talentosa en videos ridículamente salpicados. Cuando Red Velvet canta, «Bet you wanna (bet you wanna) dance like this» en su sencillo «Red Flavor», están enviando un mensaje al mundo de que Corea del Sur es moderna pero sana, colorida, atractiva y divertida.

Y en las ceremonias de clausura de los Juegos Olímpicos, vimos actuaciones en vivo de otros dos iconos del pop-k: el artista solista CL, anteriormente miembro del poderoso grupo femenino 2NE1, y el grupo multinacional Exo. La aparición de CL fue un testimonio de su éxito en la consecución de uno de los santos griales del K-Pop – un cruce con la fama de los EE.UU., o al menos con el Billboard Hot 100. CL ha entrado en la lista en dos ocasiones desde 2015.

Exo, mientras tanto, es sin duda uno de los dos o tres mayores éxitos del K-Pop en este momento. La banda era perfecta para los Juegos Olímpicos – son multilingües y se formaron con la intención de tocar en mandarín y japonés, así como en Corea del Sur. Y durante varios años, Exo se dividió en dos subgrupos, uno que actuaba principalmente en Corea y el otro en China. Todo esto los convirtió en una gran elección para servir como una transición simbólica entre las naciones, ya que Tokio se prepara para albergar los Juegos Olímpicos de Verano de 2020, seguido de Pekín como sede de los Juegos Olímpicos de Invierno en 2022.

Desaparecido de la lista de actuaciones en directo en los Juegos Olímpicos estaba la banda de K-pop más popular del universo en este momento: BTS. BTS se convirtió en un fenómeno incontestable en EE.UU. en 2017, con dos canciones que llegaron al Billboard Hot 100, una gran actuación en los American Music Awards, una actuación de Año Nuevo en Times Square y una remezcla de su último single, «Mic Drop», realizado por Steve Aoki. Si es posible atribuir un punto de inflexión a una «ola» que parece interminable, BTS podría serlo; ciertamente parece que el grupo de chicos ha llegado tan lejos como una banda surcoreana en términos de hacer incursiones en la cultura americana – recientemente han aparecido en la portada de la revista American Billboard. Pero mientras la banda no estaba presente en los Juegos Olímpicos, su canción «DNA» -la otra de su par de éxitos de 2017- sonó al menos durante las ceremonias de apertura, para deleite de los fans.

Nada de esto es accidental. El K-pop se ha convertido en la cara internacional de Corea del Sur gracias a un sistema de producción extremadamente reglamentado y coordinado. Más que ninguna otra industria musical internacional, el K-pop ha sido estratégicamente diseñado para abrirse camino en tu cerebro – y para elevar a Corea del Sur y su cultura a la escena mundial.

¿Cómo hemos llegado hasta aquí? A través de una combinación de cambios políticos globales, corporativismo inteligente y gestión de medios, y un montón de talento en bruto que se está desarrollando a través de un molino de estrellas muy poderoso.

El K-pop comenzó en 1992 con una actuación de hip-hop eléctrico

El K-pop, tal como lo conocemos, no existiría sin la democracia y la televisión – específicamente, la reforma de Corea del Sur de su gobierno democrático en 1987, con la consiguiente modernización y aligeramiento de la censura, y el efecto que este cambio tuvo en la televisión.

Antes de la creación de la Sexta República, sólo había dos cadenas de televisión en el país, que controlaban en gran medida la música que escuchaban los surcoreanos; los cantantes y músicos no eran mucho más que herramientas de las cadenas. Las redes presentaron al público a las estrellas de la música principalmente a través de espectáculos de talentos musicales durante el fin de semana. La radio existía pero, al igual que las cadenas de televisión, estaba bajo un estricto control estatal. La producción musical independiente no existía realmente, y la música rock era polémica y estaba sujeta a prohibición; los músicos y las canciones se presentaron al público principalmente a través del programa de talentos televisados, y la radio sirvió como poco más que una plataforma subsidiaria para los artistas que triunfaron en esos concursos televisivos de fin de semana.

Antes de la liberalización de los medios de comunicación surcoreanos a finales de los años 80, la música producida por las cadenas de televisión era principalmente baladas lentas o «trot», una fusión de Lawrence Welk-ish de música tradicional con viejos estándares pop. Después de 1987, sin embargo, la radiodifusión del país se expandió rápidamente, y los surcoreanos se expusieron con mayor frecuencia a más variedades de música de fuera del país, incluida la música contemporánea estadounidense.

Pero la televisión seguía siendo el medio de comunicación dominante y centralizado del país: En 1992, las cadenas nacionales de televisión habían penetrado en más del 99 por ciento de los hogares surcoreanos, y la audiencia era más alta los fines de semana, cuando se realizaban los programas de talentos. Estos programas de talentos televisados fueron cruciales para presentar a los grupos musicales al público surcoreano; todavía tienen un enorme impacto cultural y siguen siendo el factor más importante en el éxito de una banda surcoreana.

Como señala la editora de Moonrok Hannah Waitt en su excelente serie sobre la historia del K-pop, el K-pop es inusual como género porque tiene una fecha de inicio definitiva, gracias a una banda llamada Seo Taiji and Boys. Seo Taiji había sido previamente miembro de la banda de heavy metal surcoreano Sinawe, que fue en sí misma una parte breve pero muy influyente del desarrollo de la música rock coreana a finales de los años 80. Después de que la banda se separó, se volvió al hip-hop y reclutó a dos bailarines surcoreanos estelares, Yang Hyun-suk y Lee Juno, para que se unieran a él como refuerzos en un grupo apodado Seo Taiji and Boys. El 11 de abril de 1992, interpretaron su sencillo «Nan Arayo (I Know)» en un concurso de talentos:

No sólo los Boys no ganaron el concurso de talentos, sino que los jueces le dieron a la banda la puntuación más baja de la noche. Pero inmediatamente después del debut de la canción, «I Know» llegó a la cima de las listas de sencillos de Corea del Sur durante 17 semanas, lo que significaría más de 15 años como la racha número uno más larga en la historia del país.

«I Know» representó la primera vez que la música pop moderna al estilo americano se fusionó con la cultura surcoreana. Seo Taiji y Boys fueron innovadores y desafiaron las normas sobre estilos musicales, temas de canciones, moda y censura. Cantaban sobre la angustia de los adolescentes y la presión social para tener éxito dentro de un sistema educativo agotador, e insistían en crear su propia música y escribir sus propias canciones fuera del entorno de la red manufacturada.

Para cuando Seo Taiji y Boys se disolvieron oficialmente en 1996, habían cambiado el panorama musical y de performance de Corea del Sur, allanando el camino para que otros artistas fueran aún más experimentales y rompieran aún más fronteras – y para que los estudios de música intervinieran rápidamente y tomaran el control, formando un nuevo sistema de estudio completo a partir de los restos del sistema centrado en la transmisión.

Entre 1995 y 1998, aparecieron tres estudios musicales de gran potencia: SM Entertainment (a menudo conocido como SM Town) en 1995; JYP Entertainment en 1997; y YG Entertainment en 1998, creado por uno de los miembros de Seo Taiji and Boys, Yang Hyun-suk. Juntos, estos estudios comenzaron a cultivar deliberadamente lo que se conocería como grupos de ídolos.

El primer grupo de ídolos en Corea del Sur apareció en 1996, cuando el fundador de SM, Lee Soo-man, creó un grupo llamado H.O.T. al reunir a cinco cantantes y bailarines que representaban lo que él creía que los adolescentes querían ver de un grupo pop moderno.

H.O.T. compartía rasgos con los grupos de ídolos de hoy: una combinación de canto, baile y rap, y personalidades dispares unidas a través de la música. En 1999, la banda fue elegida para tocar en un concierto benéfico con Michael Jackson, en parte debido a su potencial para convertirse en estrellas internacionales del pop – una indicación de que incluso en los años 90, la industria estaba en sintonía con el potencial del K-pop para el éxito global.

Ese potencial se puede ver en la ansiosa promoción de artistas multilingües como BoA, que hizo su debut público a la edad de 13 años en el año 2000 y que en los años siguientes se ha convertido en una de las exportaciones más conocidas de Corea del Sur gracias a una marca construida sobre la base del talento bruto y la positividad multicultural.

Todo el tiempo, K-pop como un todo estaba construyendo su propia marca, una basada en flash, estilo y mucha calidad.
No preguntes qué hace una canción K-pop. Pregúntale qué hace a un intérprete de K-pop.

Hay tres cosas que hacen del K-pop un contribuyente tan visible y único en el mundo de la música pop: una actuación de una calidad excepcional (especialmente en el baile), una estética extremadamente pulida y un método de producción de estudio «interno» que produce éxitos musicales en la forma en que las líneas de montaje producen los coches.

Ninguna canción encarna más perfectamente estas características que el éxito de 2009 de Girls’ Generation, «Gee», un éxito rotundo que se produjo en un momento en que el K-pop empezaba a llamar la atención a nivel internacional debido a una serie de éxitos recientes: «Haru, Haru» de Big Bang, «Nobody» de Wonder Girls y «Abracadabra» de Brown Eyed Girls. «Gee» era un gusano de oído viral de Internet, que se escapaba de los típicos espacios de los fans del K-pop y ponía a Girls’ Generation a una distancia sorprendente de la fama en Estados Unidos.

La combinación de un concepto descarado y colorido, coreografías inteligentes, chicas guapas y canciones pegadizas hacen de «Gee» la canción K-pop por excelencia: Es divertido, contagioso y memorable – y fue todo menos algorítmicamente producido por una máquina de estudio responsable de entregar un canto perfecto, un baile perfecto, videos perfectos y un entretenimiento perfecto. Los entonces nueve miembros de la Generación de las Niñas fueron ensamblados de fábrica en las muñecas perfectas, listas para hombres, que se ven en el video musical de la canción a través de la supervisión extrema del estudio y años de trabajo duro de cada mujer – una combinación de 52 años de entrenamiento en total, comenzando en su niñez.

A través de audiciones altamente competitivas, comenzando alrededor de las edades de 10 a 12 años, los estudios de música inducen a los niños talentosos al régimen K-pop. Los niños asisten a escuelas especiales donde reciben clases especializadas de canto y baile; aprenden a moderar su comportamiento público y a prepararse para la vida como estrella del pop; pasan horas en ensayos diarios y actúan en espectáculos musicales de fin de semana, así como en actuaciones especiales en grupo. A través de estas actuaciones, los niños afortunados pueden ganar adeptos antes de su «debut» oficial. Y cuando tengan la edad suficiente, si son realmente uno de los pocos afortunados, los estudios los colocarán en un grupo de ídolos o incluso, ocasionalmente, los lanzarán como artistas solistas.

Una vez que un grupo de ídolos ha sido entrenado a la perfección, los estudios generan canciones pop para ellos, los comercializan, los ponen en la televisión, los envían de gira y determinan cuándo volverán a hacer su «regreso» – un término que generalmente señala el lanzamiento del último álbum de una banda, generalmente acompañado de una gran fanfarria, apariciones especiales en televisión y un concepto temático totalmente nuevo.

Debido al control que ejercen sobre sus artistas, los estudios de música surcoreanos son directamente responsables de dar forma a la imagen global del K-pop como género. Pero la industria es notoriamente explotadora, y la vida en el estudio es extenuante hasta el punto de que puede fácilmente pasar a ser abusiva; los artistas intérpretes o ejecutantes son regularmente firmados contratos a largo plazo, conocidos como «contratos de esclavitud», cuando todavía son niños, que dictan de cerca su comportamiento privado, su vida de noviazgo y su conducta pública.

Los estudios también son un caldo de cultivo para el comportamiento depredador y el acoso de los ejecutivos de los estudios. En los últimos años, la creciente atención pública a estos problemas ha dado lugar a cambios; en 2017, múltiples estudios acordaron una reforma significativa de los contratos. Sin embargo, como reveló el reciente suicidio del artista Shinee Kim Jong-hyun, las presiones de la cultura del estudio rara vez se hacen públicas y pueden afectar seriamente a los que crecen dentro del sistema.

A pesar de todo esto, la vida enclaustrada de una estrella del K-pop es codiciada por miles de adolescentes y preadolescentes surcoreanos, hasta el punto de que las audiciones sin cita previa para explorar a los niños para los programas de estudio se llevan a cabo con frecuencia en Corea del Sur y Nueva York.

Además de las audiciones de estudio, en los últimos años han surgido una ola de nuevos programas de audiciones de televisión, lo que ha dado a los desconocidos la oportunidad de ser descubiertos y construir una base de fans. A menudo llamados programas de ídolos o de supervivencia, estos programas de audición son comparables a American Idol y X-Factor. Los competidores en estos espectáculos pueden hacer algo grande por sí mismos o agruparse, como el grupo JBJ (abreviatura del apodo «Just Be Joyful»), recientemente estrenado, que consiste en chicos que compitieron en el concurso de talentos Produce 101 Season 2 el año pasado y que luego fueron colocados en un grupo temporal después de que los fans comenzaran a hacer fotos de Instagram compuestas de todos ellos juntos. La banda sólo tiene un contrato de siete meses, ¡disfrútalo mientras dure!

Estos programas de ídolos patrocinados por la televisión han causado un retroceso de los estudios, que los ven como productores de talento inmaduro – y, por supuesto, recortando las ganancias del estudio. Esto se debe a que el éxito de un grupo K-pop está directamente ligado a sus actuaciones en directo en televisión. Hoy en día hay numerosos programas de talentos, junto con muchos más programas de variedades y conocidos programas de cuenta regresiva de televisión como Inkigayo y M Countdown, que influyen en el éxito – y por lo tanto, en la posibilidad de obtener ingresos – de un ídolo K-pop o grupo de ídolos que se ve. Ganar un show de música de fin de semana o una cuenta regresiva semanal sigue siendo uno de los honores más altos que un artista o grupo musical puede alcanzar en la industria musical de Corea del Sur.

Debido a esta dependencia de los espectáculos en vivo, los elementos de interpretación de una canción – lo fácil que es cantar en vivo, lo fácil que es para un público recoger y cantar junto con, el impacto de su coreografía, su vestuario – son todos cruciales para su éxito. Los grupos van rutinariamente a por todas sus actuaciones: Testigo Después de la Escuela aprendiendo a interpretar una secuencia completa de batería para sus presentaciones en vivo de su single «Bang!», así como casi todas las presentaciones en vivo mencionadas aquí.

Todo este énfasis en las actuaciones en vivo hace que los fans sean una parte extremadamente activa de la experiencia. Los fans del K-pop han perfeccionado el arte del canto de los fans, en el que los fans de las audiencias de los estudios en vivo y de las actuaciones en vivo gritarán cantos alternativos de los fans sobre las intros musicales de las canciones, y a veces como contrapunto a los coros, como una muestra de unidad y apoyo.

Esta colectividad ha ayudado a asegurar que las bases de fans de K-pop, tanto en el país como en el extranjero, sean absolutamente masivas e intensas hasta un punto que es difícil de exagerar. Los fans apoyan intensamente a los miembros de su grupo favorito, y muchos de ellos hacen todo lo posible para asegurarse de que sus ídolos favoritos vean y vistan la parte de los artistas de clase mundial. K-Con, la convención K-pop más grande de Estados Unidos, ha crecido exponencialmente a lo largo de los años y ahora incluye tanto a Los Ángeles como a Nueva York.

(También hay anti-fanáticos que atacan a los miembros de la banda – más notoriamente un anti que intentó envenenar a un miembro de la DBSK en 2006. Pero cuanto menos se hable de ellos, mejor.)

Es de esperar que, frente a toda esta presión externa, los grupos K-pop sean en gran medida desordenes disfuncionales. En cambio, el K-pop moderno parece ser una máquina sin fisuras, hermosa y bien engrasada, con algunas contradicciones evidentes que la hacen aún más fascinante.

El K-pop moderno es un conjunto de coloridas contradicciones

Aunque la censura gubernamental de la música surcoreana se ha relajado con el tiempo, sigue existiendo, al igual que la autocensura de la industria en respuesta a una serie de temas controvertidos. Las costumbres sociales de Corea del Sur estigmatizan todo, desde referencias sexuales e insinuaciones hasta referencias a las drogas y el alcohol -así como al comportamiento ilícito real de los ídolos-, y abordar cualquiera de estos temas puede hacer que se prohíba arbitrariamente una canción en los programas de radio. Las canciones que tratan de temas serios o temas espinosos están en gran medida fuera de los límites, la identidad queer generalmente sólo se trata como subtexto, y las letras de las canciones suelen ser borradas hasta llegar a tópicos esponjosos. Temáticamente, a menudo es encantador e inocente, bordeando la adolescencia.

A pesar de estas limitaciones, el K-pop ha crecido con el tiempo en su matiz y sofisticación gracias a artistas y estudios que a menudo han arriesgado la censura o han confiado en las claves visuales y el subtexto para llenar los vacíos.

Un ejemplo: la exitosa «Ceremonia de Adultos» del cantante y actor Park Ji-yoon en 2000, que marcó la primera vez que un éxito del K-pop inyectó con éxito la sexualidad adulta en letras bastante inocuas, representando un notable desafío a las representaciones existentes de la feminidad en la cultura pop surcoreana.

Las mujeres del K-pop son típicamente representadas como versiones tradicionales de la feminidad. Esto suele manifestarse en uno de los siguientes temas: colegialas adorables y tímidas que cantan sobre los enamoramientos vertiginosos; mujeres que conocen y que necesitan una «oppa» (una figura masculina fuerte y mayor) para cumplir sus fantasías; o mujeres que conocen y que están capacitadas y rechazan la validación masculina, incluso cuando el estudio diseña a los miembros del grupo para el consumo de hombres adultos.

La imagen de un grupo de ídolos a menudo cambia de un álbum a otro, pasando por una revisión visual y tonal total para introducir un nuevo concepto. Sin embargo, hay algunos grupos de niñas – 2NE1 y f(x) son los que más me vienen a la mente – que han sido comercializados como rompiendo con este modo de actuación centrado en el género; están empaquetados como rebeldes y rebeldes sin importar de qué se trate su álbum, incluso cuando operan dentro de la cultura del estudio.

Sin embargo, las mujeres del K-pop también están produciendo cada vez más videos autoconscientes que navegan sus propias relaciones hacia estas rígidas imposiciones. Witness Sunmi, ex miembro de Wonder Girls, derribando su propia imagen pública cuidadosamente cultivada en su reciente single «Heroína», una canción sobre una mujer que sobrevive a una relación fracasada. En el video, Sunmi se transforma físicamente, haciéndose más poderosa y desafiante mientras se enfrenta a la cámara y finalmente se enfrenta a una valla publicitaria de sí misma.

Si las canciones para mujeres en el K-pop se descomponen a lo largo de la división entre «mujer virgen/madura», las canciones para hombres tienden a descomponerse a lo largo de una línea de «chico malo/hombre sofisticado». Ocasionalmente, incluso se descomponen en la misma canción, como en «Jackpot» de Block B, el video en el que se ve a la banda posando como miembros de un circo renegado, uniéndose para secuestrar a la actriz Kim Sae-ron en una vida de hedonismo alegre.

A los grupos de actuación masculinos generalmente se les permite una gama más amplia de temas que a las mujeres de K-pop: BTS canta sobre temas serios como las presiones sociales de los adolescentes, mientras que muchas otras bandas de chicos presentan una amplia gama de conceptos narrativos. Pero los artistas masculinos se ven obligados a cumplir normas físicas y técnicas más exigentes que sus homólogas femeninas, y las coreografías de precisión, como la rutina de baile de Speed, son una parte importante del sorteo de los grupos de ídolos masculinos:

Si te preguntas si las bandas mixtas coexisten en estas culturas de estudio, la respuesta es, no realmente. La mayoría de las veces, los grupos mixtos tienden a ser parejas únicas de miembros de diferentes bandas para uno o dos singles, o actos novedosos que se dividen rápidamente en subgrupos de género. La banda mixta más famosa es probablemente el dúo de hermanos y hermanas Akdong Musician, un par de chicos guapos que triunfaron en un show de audición; e incluso se separan mucho para formar pareja con otros cantantes. (Ver el clip «Hi Suhyun» arriba, que incluye a Lee Hi y la mitad hermana de AM, Lee Su-hyun.)

Probablemente no hace falta decir que esta tradicional división de género no es exactamente un terreno fértil para que prosperen los ídolos queer. A pesar de que varias estrellas del K-pop apoyan abiertamente los derechos de los LGBTQ, la industria comercializa agresivamente el homoerotismo en sus videos, pero en general sigue siendo homofóbica. Pero aquí también se está avanzando: El primer ídolo abiertamente gay de Corea del Sur apareció en escena a principios de 2018. Su nombre es Holland, y su primer single debutó con 6,5 millones de visitas.

El hip-hop tiende a ser una parte dominante del sonido K-pop, particularmente entre los grupos masculinos, una tendencia que ha abierto el género a la crítica por apropiación. Corea del Sur se enfrenta a un alto grado de racismo cultural, y los grupos populares recientes han sido objeto de críticas por vestirse de negro, apropiarse de la iconografía de los nativos americanos, y mucho más. Sin embargo, el K-pop ha abrazado cada vez más la diversidad en los últimos años, con miembros negros que se unen a los grupos K-pop y al dúo Coco Avenue para lanzar un sencillo bilingüe en 2017.

Por último, pero no por ello menos importante, sería negligente si no mencionara la emergente escena musical independiente de Corea del Sur, que incluye una floreciente cosecha de rap independiente, hip-hop y, cada vez más, artistas de R&B, así como una gran cantidad de artistas de base que han causado sensación en SoundCloud.

Haciendo balance de todos estos cambios y paradojas, podríamos extrapolar un poco sobre cómo será el futuro del K-pop: aún más diverso, con un número cada vez mayor de artistas independientes que sacuden la escena del estudio, aunque la mayoría de ellos todavía tendrán que jugar dentro de los rígidos estándares del sistema.

Esta evolución gradual sugiere que parte de la razón por la que K-pop ha sido capaz de hacer incursiones internacionales en los últimos años es que ha sido capaz de empujar contra sus propias normas rígidas, a través del uso de temas modernos y subtextos sofisticados, sin sacrificar el empaque increíblemente pulido que lo hace tan innatamente convincente. Esa parece ser una fórmula para continuar el éxito global, especialmente ahora que Corea del Sur y su cultura tienen la atención del mundo. Hallyu puede hincharse o hundirse, pero la máquina de producción K-pop sigue funcionando. Y desde aquí, el futuro se ve fantástico, nena.

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